Les Russes sont tombés amoureux du septième art très tôt: le premier film de fiction remonte à 1908, faisant de la cinématographie russe l’une des plus anciennes au monde. En 1913 déjà, le pays comptait plus de 1 300 cinémas et produisait plus de 100 films, ce qui lui conférait une grande partie de son influence.
Alors que la révolution progressait au début du XXe siècle, de nombreux réalisateurs ont émigré, laissant un vide dans l’industrie du film russe. Ceci, cependant, ne durerait pas longtemps. Lénine avait proclamé de bonne heure que : « Le cinéma est pour nous le plus important des arts » - et il n’y avait guère de doute qu’il y croyait dur comme fer. En 1919, l’industrie cinématographique est nationalisée et peu après, la première école de cinéma au monde est créée (VGuIK).
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Les dirigeants soviétiques ont embrassé le film comme principal moyen de communication avec le peuple, encourageant la création d'œuvres plus réalistes décrivant des thèmes de la vie quotidienne. Les cinéastes ont été priés de rompre avec les conventions et d'en créer de nouvelles susceptibles de soutenir la société communiste. Ces facteurs, combinés au manque de stock de films à l'époque, ont dans une large mesure conduit à l'élaboration de nouvelles théories et de nouvelles techniques de montage.
Les documentaires constituaient un volet central du jeune cinéma soviétique.
La direction soviétique, menée par Lénine, a donné aux cinéastes une liberté de création, ouvrant la voie à certains des théoriciens du cinéma les plus influents à ce jour. Bien qu'il y ait eu un sentiment relatif de liberté d'expérimenter, une chose était claire : les films devaient être faits pour et sur l'homme du peuple. Après tout, l'artiste devrait se considérer comme un ingénieur, un ouvrier.
Dziga Vertov était une voix influente dans la promotion du « réalisme socialiste » dans la cinématographie, bouleversant finalement notre façon de regarder les documentaires. Lors du tournage de Kino-Pravda (« Film-Vérité », 23 parties), Vertov utilisait des situations de la vie de tous les jours, filmant souvent des sujets dans leur quotidien sans qu'ils s'en aperçoivent. De cette façon, Vertov pensait pouvoir créer une relation plus étroite avec le public tout en supprimant ce qu'il appelait le « point de vue bourgeois » des films de l'ère pré-soviétique. En fait, la relation de Vertov avec le public était si étroite qu'il ajoutait même ses coordonnées à la fin de chaque épisode.
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Son œuvre la plus célèbre, L’homme à la caméra, était un film d'autoréflexion, montrant l'art de la production cinématographique. Son style « brut » de tournage inspirera plus tard les influents mouvements Cinéma Vérité et Nouvelle Vague de la France des années 1960. D'après de récentes mentions, le réalisateur Steve McQueen a cité le travail de Vertov comme source d'inspiration pour le film Douze ans d’esclavage, récompensé aux Oscars.
Avec ce qui peut ressembler davantage à un test de psychologie qu'à une recherche sur la théorie du film, Lev Koulechov a démontré avec brio comment le montage est perçu par le public. Le montage désormais emblématique d’un homme dénué de toute expression faciale apparente avec trois scènes différentes, un bol de soupe, un enfant mort et une belle dame a déconcerté le public. Lorsqu'on demandait de décrire l'expression du visage de l'homme, la réponse correspondrait presque toujours à l'image entrelacée (voir la vidéo ci-dessous).
Cette démonstration a permis à Koulechov de montrer que c'était la manière dont les images se rapportaient les unes aux autres qui créait un sens, pas l'image en elle-même. Cela changerait à jamais la façon dont les cinéastes percevaient le montage, avec des démonstrations similaires répétées par des grands noms comme Alfred Hitchcock.
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Des scènes marquantes d’Apocalypse Now (1979), thriller de guerre emblématique de Coppola, au film classique de De Palma, The Untouchables : Le Cuirassé Potemkine de Sergueï Eisenstein est indéniablement l’un des films les plus influents de l’histoire du cinéma.
Sa méthode de montage unique distingue Eisenstein des autres. La collision des images, la stimulation rythmique et ce qui deviendra plus tard le summum de la théorie du montage, le « montage intellectuel » sont sa marque de fabrique.
Par le montage intellectuel, Eisenstein a dépeint des idées complexes dans des scènes apparemment sans rapport. Ceci est particulièrement visible dans son célèbre film La Grève (1925), dans lequel il fait la navette entre le massacre d’un taureau et les attaques de la police contre des travailleurs. La métaphore est simple, mais forte ; les travailleurs agressés sont victimes d’un massacre. Cette technique a depuis été réutilisée d'innombrables fois pour obtenir un effet similaire.
Le célèbre Andreï Tarkovski était souvent qualifié de poète visuel. Il est largement considéré comme le pionnier du « cinéma poétique ». Son talent à dépeindre la transcendance entre le réel et le spirituel, sans entrer dans le religieux, a bousculé la perception du cinéma.
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Son père étant un poète, Tarkovski s’est toujours efforcé de combler le fossé qui séparait la poésie du film. Bien que son nouveau type de cinématographie, expérimental à l’époque, n’ait pas été immédiatement reconnu, il est rapidement devenu l’un des favoris du grand public et de la critique du monde entier.
Le célèbre réalisateur Ingmar Bergman, également l’un des cinéastes fétiches de Tarkovski, était un grand fan du réalisateur soviétique. Quand on lui posait des questions sur Tarkovski, il le décrivait ainsi : « Le plus grand [réalisateur], celui qui a inventé un nouveau langage, fidèle à la nature du film, car il capture la vie en tant que réflexion, et la vie en tant que rêve ».
Les films de Lars Von Trier, qui a lui-même consacré un film entier au réalisateur soviétique, témoignent de l’influence éternelle de Tarkovski sur le film.
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